Cette impression vient principalement du ton général de l’ouvrage : on sent, à sa lecture, qu’au moment où il écrit ces lignes l’auteur n’a pas encore réussi à prendre la pleine mesure du Japon et, surtout, des Japonais. En ce sens, c’est un ouvrage qui révèle un Nicolas Bouvier un peu désarçonné par ce peuple et ses coutumes aussi étranges – même pour un grand voyageur comme lui. Au contraire, Chronique japonaise et son introduction historique (probablement peu scientifique, mais qu’importe) marque une sorte de réconciliation.

Hormis ce détail, Le vide et le plein est un ouvrage très similaire : on y suit l’auteur dans sa vie quotidienne au Japon, dans les années 1964-1965, puis vers 1970. Il y a là des impressions de voyage, comme d’habitude, des excursions journalistiques dans des lieux plus ou moins connus, plus ou moins touristiques. Il y a également des instantanés de vie quotidienne : Nicolas Bouvier habite Kyoto, puis Tokyo, avec femme et enfants.

Son regard, c’est une regard d’ethnologue à l’échelle humaine : il recherche l’universel dans l’unique, la spécificité japonaise auprès du Japonais lambda – sans la trouver. Visiblement, ça le travaille et c’est sans doute ce qui fait une grande partie de sa frustration, perceptible dans ses textes.

Ce qui m’a marqué n’est pas tant cette frustration que l’absence d’amertume ou de déception dans son propos : Bouvier ne renonce pas pour autant à comprendre et le titre du livre, Le vide et le plein, fait référence à sa recherche. C’est à travers le bouddhisme zen japonais qu’il cherche à réconcilier les différents aspects de la culture japonaise, comme une sorte d’antidote au formalisme des traditions. Est-ce là la réponse ? Peut-être ; en tous cas, c’est la sienne.

Au risque de passer pour un vieux radoteur, je ne peux que conseiller la lecture de cet ouvrage à tous les amoureux du Japon, qu’ils soient débutants ou confirmés. Il ne faut pas le prendre comme une somme absolue – pour autant que cela soit possible –, mais comme le regard d’un homme sur d’autres hommes. Le fait que ce regard date de plus de quarante ans ne doit pas être perçu comme un obstacle.

Je recommande également aux rôlistes qui lisent ces lignes (il paraît qu’il y en a) de se plonger dans la lecture de Nicolas Bouvier – et pas seulement à ceux qui jouent dans des univers nipponoïdes. Il y a énormément à apprendre du regard de cet auteur dans la façon d’appréhender et de décrire des cultures, surtout du point de vue de la vraisemblance littéraire, plutôt que scientifique.

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Le but premier était de prendre un (long) week-end de vacances et voir des potes, en profitant de la liaison TGV directe entre Genève et Nice et, très accessoirement, de faire des parties de Tigres Volants. Du coup, je n’en ai fait qu’une, mais je ne me plains pas : on s’est bien amusés (mention spéciales à mes joueurs, qui sont les premiers à me prendre l’option « coup de pute » dans le scénario Ciel! J’ai égaré mon carburateur) et j’ai eu largement de quoi m’occuper pendant le salon.

Il faut dire que le festival est un événement de grande taille : installé au Palais des festivals (celui-là même où a lieu le Festival du film de Cannes, mais on n’a pas monté les marches), il regroupe jeux classiques (échecs, bridge, Scrabble), jeux de société plus modernes (Catane et autres jeux de « l’école allemande »), casse-têtes, jeux vidéos, wargames, jeux de carte et jeux de rôle. Ajoutez à cela un (petit) « village manga » et une entrée gratuite, vous obtenez une manifestation grand public, blindée de monde le samedi et le dimanche.

L’aspect le plus enthousiasmant de ce festival est que c’est un salon qui n’a pas oublié l’espace pour jouer : il y a de multiples tables de démonstration où on peut tester les jeux, surtout les nouveautés. J’ai pu ainsi jouer à une demi-douzaine de nouveaux jeux, comme Asteroyds ou Cyclades, et discuter avec certains auteurs. J’ai aussi été interviouvé par une équipe de JeuxActu.com (mais je n’ai pas encore vu la vidéo en ligne).

L’espace rôliste (organisé par le GRAAL, un regroupement de clubs de la Côte d’Azur) proposait également des parties d’initiation et organisait trois « tournois », le vendredi et samedi soir, ainsi que le dimanche après-midi. Oui, je sais : à moi aussi l’idée même de tournois de jeu de rôle est haïssable, mais c’est semble-t-il le meilleur moyen d’attirer des joueurs ; au reste, lors de ma partie, il m’a suffi de me déclarer hors compète et d’adopter une notation façon « école des fans » (note maximum à tout le monde) pour m’acquitter de cette tâche.

Bref, j’ai bien aimé. Le côté grand public et multiple permet de voir beaucoup de monde, le fait que ce soit dans le sud de la France touche un public qu’on ne voit que rarement dans les grands raouts parisiens (ou lausannois ; allez savoir pourquoi), l’ambiance est bon enfant et il y a de quoi jouer. Que demander de plus ?

Peut-être du ciel bleu et une météo moins pourave. Parce que franchement, Cannes dans le froid, ce n’est pas très glorieux (même si, à côté de la bise noire à Genève, c’est petit-bras)…

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Côté préparatifs, cela implique de faire quelques sauvegardes de fichiers, d’imprimer prétirés, scénarios et feuilles de présentation pour d’éventuelles parties (note pour plus tard: prévoir le recto-verso pour la prochaine imprimante laser; en manuel, c’est bourrage-city).

Donc, si vous êtes dans le coin, passez me voir!

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Catégorisé entre le math-rock et le post-rock, avec une approche plus énergétique et métal que contemplative et atmosphérique, Gifts From Enola est pourtant loin d’être un groupe inintéressant et From Fathoms aligne quelques pépites de créativité, comme les morceaux « Trieste » et ses dix-sept minutes au compteur et l’impressionnant « Thawed Horizon ».

Je n’ai peut-être pas trop la tête à ça, mais j’ai néanmoins l’impression que, même avec une écoute au casque, cet album m’entre par une oreille pour me sortir par l’autre (ce qui vaut certes mieux que de me sortir par les trous de nez) — voire, pire, me donne envie d’écouter autre chose. Pas qu’il soit mauvais — je me répète, mais je n’ai pas envie de casser From Fathoms avec mes sautes d’humeur, mais il me rappelle trop de choses que j’ai déjà entendues.

Je vais peut-être faire une pause avec le post-rock. Le temps qu’arrive le nouveau God Is An Astronaut, par exemple…

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Mais le but de cette chronique n’est pas tant de me lancer dans une dissertation prise de tête, mais d’explorer quelques pistes pour utiliser la ville sous-marine du jeu dans un contexte rôliste. Pas que ce soit d’ailleurs très difficile: le concept de ville sous-marine mystérieuse contenant des secrets inavouables est à lui seul une mine de scénarios. J’ai moi-même écrit une campagne sur ce genre de prémisses.

À la base, Rapture n’est pas exactement un endroit plaisant à vivre — même avant sa chute. À moins d’en avoir les moyens: c’est une ville où le capitalisme le plus débridé, sans le moindre contrôle, est la norme. Il y a une raison pour laquelle l’expérience se conclut par une guerre civile (plusieurs, en fait, puisque la situation a également été exploitée par le mafieux Fontaine). Pour le coup, à moins de faire quelques modifications majeures dans la trame, c’est à mon avis un décor qui convient plutôt à des jeux « sérieux ». L’ambiance n’est pas vraiment à la rigolade.

Mais pourquoi donc y aller? Jack, le protagoniste du jeu, y arrive par « accident » et commence à explorer la ville pour y trouver un moyen de rejoindre la terre ferme avant de se retrouver impliqué dans le conflit entre Ryan et Fontaine. On peut très bien imaginer une amorce similaire, avec le naufrage des personnages au beau milieu de l’Atlantique nord, dans une tempête de neige ou le brouillard. L’île et sa tour apparaissent comme une planche de salut. Sauf que…

Cela dit, il y a des raisons bien plus matérielles pour s’y rendre: construite à grands frais et regorgeant de technologies de pointe et de secrets scientifiques, Rapture représente un objectif de choix pour des chasseurs de trésors – ainsi que pour des espions à la recherche de tel savant génial disparu il y a quelques décennies (variante: des détectives engagés par la famille d’une personne ayant migré dans la ville et disparu sans laisser de trace). Ryan soupçonne d’ailleurs longtemps Jack d’être un espion et sa paranoïa est justifiable, puisqu’il semble y avoir au moins un espion (soviétique) dans la ville.

Si on joue à un jeu à composante fantastique, on peut également imaginer des raisons beaucoup plus sordides: qui dit ville sous-marine et expériences bizarres invoque souvent le déplaisant souvenir d’un gros machin à tentacules qui-n’est-pas-mort-mais-rêve. De plus, les recherches menées par les savants fous de Rapture, le Dr Suchong en tête, mentionnent une espèce marine implantée comme parasite dans les « petites sœurs ».

L’exploration est une idée, mais on peut également utiliser Rapture « de l’intérieur »: imaginons par exemple une campagne d’aventure « pulp », au sortir d’une Seconde Guerre mondiale meurtrière et ouvrant la porte à de pires horreurs. Les personnages, héros hors du commun, rencontrent Andrew Ryan et décident de s’associer à lui pour la construction de la ville. Vont-ils arriver à empêcher la montée en puissance de Fontaine, la guerre civile et les atrocités des scientifiques – parmi lesquels se trouvent peut-être d’anciens ennemis?

Ou alors prenons un groupe d’amis qui ont eux aussi migré sur Rapture et qui se trouvent pris au milieu du conflit qui ravage la ville. Comment survivre? Comment sortir? Comment sauver sa famille et ses amis? Et surtout, comment garder son intégrité morale dans une société qui part en vrille; c’est un aspect qui aurait d’ailleurs pu être mieux développé dans le jeu: il est mentionné que l’us et l’abus des modifications génétiques, entre l’ADAM et les plasmides, a des effets délétères sur le corps et l’esprit.

Si ces deux dernières accroches emmènent les personnages vers la génèse de la ville, on peut imaginer aussi son avenir. Bioshock se déroule en 1960, à peine plus d’un an après les émeutes qui ont déclenché la guerre civile. Bioshock 2 se déroule quelques années plus tard, en 1968; imaginons un peu à quoi ressemble Rapture en 2010. Théoriquement, il ne va plus en rester grand-chose: sans entretien, de plus en plus de fuites vont inonder de plus en plus de secteurs, les machineries vont céder les unes après les autres et, à part quelques secteurs miraculeusement préservés, la ville aura tout du récif artificiel. On peut imaginer des personnages visitant les derniers vestiges, avant leur destruction définitive, une sorte d’épilogue pour une légende, façon Planetary, la série scénarisée par Warren Ellis.

Mais si, contre toute attente, Rapture avait survécu? Admettons que Fontaine se révèle être l’homme de la situation et, malgré son sens moral inexistant, remette la cité en ordre de marche, ou qu’Andrew Ryan, profitant des technologies de revivification disponibles un peu partout dans la cité (et ça m’étonnerait beaucoup qu’il ne l’ait pas fait) revienne d’entre les morts pour redresser la barre (genre, trois jours après sa mort, histoire de rajouter une dimension messianique — et ironique — au bazar). Cinquante ans plus tard, Rapture et ses citoyens génétiquement augmentés vont-ils être le meilleur espoir ou le pire cauchemar de l’humanité? Les joueurs de Tigres Volants peuvent d’ailleurs substituer à Frank Fontaine un certain Gabriel Fore…

Je ne vous cacherai pas, en guise de conclusion, que Rapture est un concept qui titille une grande quantité de mes petites marottes de vieux rôliste: cité perdue aux secrets indicibles, ambiance pulp/art-déco, histoire secrète. Pour un peu, j’y rajouterais presque l’Atlantide (devinez sur les ruines de quelle civilisation la ville a été construite?) et les soucoupes volantes des Nazis (devinez d’où venaient les généticiens fous?). Reste à voir ce que vous voudrez en faire.

Comme ça, au pif, j’ai l’impression qu’il y a de la matière.

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Bioshock est un jeu de tir à la première personne, un Quake-like, comme on dit vulgairement — même si le moteur graphique utilisé ici est un dérive d’Unreal. Le joueur incarne le seul survivant d’un crash aérien au milieu de l’Atlantique, en 1960, qui se retrouve sur un îlot d’où émerge une étrange structure, l’entrée de la cité sous-marine de Rapture.

Rapture a été fondée quelques années auparavant par Andrew Ryan, un génie visionnaire qui ressemble à un croisement entre Howard Hawks et Ayn Rand. L’homophonie avec cette dernière, au vu des principes qui régissent la ville, n’est sans doute pas fortuite: Rapture a été construite comme une utopie où la science seule, sans limite ni garde-fou.

Évidemment, les choses partent d’autant plus rapidement en vrille que, pour construire sa ville, Ryan s’est mis en affaire avec Frank Fontaine, un esprit criminel de grande envergure. Résultat: le personnage arrive dans une cité en pleine guerre civile entre les factions de Ryan et de Fontaine, avec en plus le manque d’entretien qui commence à causer des fuites et des inondations: le rêve Art-Déco qu’est Rapture est devenu un cauchemar « dieselpunk » hanté de créatures rendues difformes par les expériences génétiques auxquels se sont livrés les savants fous du lieu.

La grande force du jeu, c’est son ambiance: cette ville de style art-déco en pleine déchéance, avec ses quartiers rongés par l’humidité et la guerre civile et ses innovations scientifiques, entre enseignes au néon criardes, slogans totalitaires et publicités des années 1950, est une merveille d’immersion. Les concepteurs du jeux et les graphistes ont donné naissance ici à un petit chef-d’œuvre d’immersion. C’est l’échec d’un avenir radieux, un fantôme sale et glauque de lendemains qui chantent.

Au niveau du jeu, la trame est également très bien foutue. Elle est certes linéaire comme tout jeu de tir subjectif qui se respecte, avec la voix d’Atlas pour guider le personnage (dans un premier temps) sur les rails narratifs (aller au point X, récupérer l’objet Y, baffer tout ce qui se trouve sur le chemin), mais comporte son lot de surprises, notamment avec un retournement taquin en milieu de partie (que j’avais en partie vu venir, grâce à quelques indices semés dans le décor).

J’ai aussi bien aimé l’idée du « choix moral » proposé au personnage, qui a une influence sur la fin du jeu; il y a d’ailleurs deux fins possibles, suivant les choix faits par le personnage. La fin « gentille » est par ailleurs très émouvante. À mon avis, il aurait été sympa de proposer plus de choix de ce genre (comme la quantité de modifications génétiques, par exemple).

Je suis un poil moins enthousiaste sur la jouabilité générale du bidule: le personnage a le choix entre plusieurs armes « conventionnelles » (pistolet, mitraillette, mais aussi lance-flamme), avec différents types de munitions pour chaque, mais également à des pouvoirs spéciaux, façon super-héros (pyrokinésie, choc électrique, télékinésie, etc.). Il est assez important de maîtriser le passage de l’un à l’autre, ainsi que le changement de munitions – qui prend d’ailleurs un temps certain et n’est pas super-pratique en combat. Le choix, c’est bien; là, je trouve juste qu’il y a un peu trop de choix et que la gestion de l’ensemble n’est pas toujours très heureuse.

Il faut aussi se rappeler que Bioshock est un jeu qui, pour sa version originelle, a maintenant trois ans, ce qui, en années de jeux vidéo, signifie qu’il est déjà mort depuis deux ans. Du coup, les graphismes datent un peu, surtout pour qui est habitué à jouer aux dernières tueries du monde Windows ou console. Personnellement, mes jeux de référence restant Urban Terror (moteur Quake 3) et Unreal Tournament 2004, ça me dérange moins.

Cela dit, je recommande chaudement Bioshock aux utilisateurs de Mac qui aiment bien les jeux de tirs (qui a dit « masochistes »?): une plongée dans un univers original, brillant et glauque.

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Cela signifie principalement de mieux décrire les situations prévues et notamment de rajouter une brochette de PNJ, y compris leur description et leurs motivations. Parfois, ça a des incidences sur les chapitres précédents ou suivants et je soupçonne qu’à un moment donné, il va falloir que je revienne sur l’ensemble et que je raccommode les bouts qui traînent à gauche et à droite.

Par exemple, je suis en train d’aborder le chapitre où la mort de celui par qui le scandale (et l’héritage) arrive est annoncée officiellement. Ce qui implique que les personnages découvrent alors qui il était (s’ils ne l’avaient pas déjà appris avant) et ce qu’il avait fait. Ce qui implique également, à un niveau narratif, de reprendre des informations qui ne me semblaient jusqu’à présent pertinentes que dans le dernier chapitre.

Pour le coup, je me pose également la question de comment organiser certaines informations de contexte. J’ai prévu un chapitre sur le domaine et son contexte, pour y décrire le système de Terpendrë, l’habitat de Silestarin, le domaine lui-même et, bien sûr ses pensionnaires et quelques éléments du même genre.

La question est de savoir si je dois également y placer les petits secrets des non-joueurs ou s’il est plus intéressant de n’en parler que quand ses petits secrets vont entrer en jeu. Jusqu’à présent, je penchais pour la deuxième solution, mais en y réfléchissant, je soupçonne qu’il est plus malin de regrouper toutes les informations pertinentes en un seul lieu.

J’ai un petit peu peur que je finisse par avoir un manuscrit kilométriques et que je doive à un moment faire des choix cornéliens à base de tailles franches dans le texte. J’ai aussi un petit peu peur que toute cette écriture se heurte bientôt à des critiques brutales et définitives de mes crash-testeurs habituels (Thias, Antoine et autres). Vu que tout ce petit monde est occupé ailleurs, je n’ai eu strictement aucun retour, même sur le synopsis que j’avais posté ici précédemment.

Il faudra aussi que je relance les dessinateurs, à un moment.

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Alors certes, j’avais pris son premier album solo, Vigil in a Wilderness of Mirrors, qui sonnait plus comme un règlement de compte au sortir de son divorce d’avec Marillion (disons, pour simplifier et éviter les détails sordides, que ça ne s’était pas fait par consentement mutuel). C’était il y a vingt ans et je me demandais avec une pointe d’inquiétude à quoi ressemblait le Fish du XXIe siècle. La réponse est « similaire, mais différent ».

Musicalement parlant, et à peu de choses près, Thirteenth Star aurait très bien pu sortir deux ou trois ans après Vigil…: même écriture à mi-chemin entre le néo-prog de Clutching at Straws et un pop-rock plus plan-plan, mêmes thèmes autobiographiques et contemplatifs, écriture toujours aussi poétique, quoique moins influencée par divers psychotropes.

La grosse différence – presqu’un choc, pour moi – réside dans la voix: qui êtes-vous et qu’avez-vous fait de Fish? Je suppose que si j’avais plus attentivement suivi la carrière du grand homme (1 m 96 selon des biographes non autorisés), j’aurais pu entendre le changement de voix au fur et à mesure. En l’état, il ne reste plus que des ombres des accents si particuliers (notamment écossais) de sa voix, ce qui est d’autant plus décevant que c’est un des éléments les plus marquants du bonhomme.

Malgré tout, Thirteenth Star est un album des plus sympathiques et, même si on ne peut pas dire que c’est du rock prog pur jus, l’influence des Marillion des vertes années reste agréablement présente pour un FBDM dans mon genre.

Ceux qui avaient perdu d’oreille le bûcheron écossais depuis la séparation du groupe ont sans doute meilleur temps de viser une compilation qui leur permettrait de se faire au nouveau timbre ou écouter les extraits disponibles sur le site. Les plus aventureux (ou ceux qui savent) peuvent acheter l’album sans autre. Fish, c’est toujours bon: mangez-en!

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Parallel or 90 Degrees

Sur ce double CD, on trouve une impressionnante palette de compositions et, notamment. une grosse quantité de morceaux de plus de dix minutes. Le tout couvre les cinq premiers albums du groupe (un sixième, Jitters, est sorti récemment) et une poignée d’inédits ou de variantes, entre 1996 et 2001. Autant le dire tout de suite: les fans de The Tangent et de Van Der Graaf Generator ont au moins deux bonnes raisons de se jeter dessus comme des morts de faim.

La filiation entre les deux projets est évidente — à commencer par un nom qui rappellera à certains les mauvais souvenirs de cours de géométrie. Certes, la voix de Tillison est sans doute pour quelque chose dans cette ressemblance, même quand elle se prend à imiter Peter Hammill, le chanteur de Van Der Graaf Generator.

Mais les compositions en elles-mêmes ont un air de famille, avec ce même regard vers les sources du rock progressif. Certes, Parallel or 90 Degrees est plus obscur dans ses références ou, à tout le moins, moins consensuel. VDGG n’est pas exactement le groupe le plus accessible de cette période. Difficile de dire que The Tangent est un groupe plus commercial dans sa démarche — on parle de rock progressif, là; c’est comme le jeu de rôle: si ça se vendait, ça se saurait. Probablement d’approche plus facile, par contre.

Toujours est-il que cet album a un titre particulièrement bien choisi: une fois cette « boîte de vers » ouverte, vous allez avoir beaucoup de mal à la refermer. Je vous dirais bien d’aller voir sur le site du groupe pour vous faire une idée, mais il est tellement moche que j’ai presque honte de le mettre en lien…

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Euh…

Bon, donc, Mistercake. J’ai un peu hésité à faire une demi-chronique, vu que ce qu’ils proposent pour le moment sur leur site (et leur MySpace barré de la tête), c’est un demi-album. Fill Empty Spaces est le premier morceau – de vingt-cinq minutes tout de même – d’un concept auto-baptisé « diptyque schizophrénique ». Le second, Drain Twisted Cells, est annoncé pour mai.

Certes, mes direz-vous car vous avez des lettres, mais qu’est-ce donc que ce Mistercake? Comme je le disais précédemment, de la musique bizarre par un groupe introuvable venu d’horizons improbables (en fait, de Nice; on a vu plus improbable, à part peut-être la présence de non-retraités à Nice). Mais, plus clairement, ce Fill Empty Spaces est un ensemble de sonorités, tantôt post-rock, tantôt post-prog façon Porcupine Tree ou Anathema-des-derniers-jours. C’est plutôt planant, calme et peu propice au head-banging.

Disons-le tout net, ce n’est pas un groupe qui va révolutionner le post-whatever, sinon par l’utilisation d’un nom qui, dans le genre stupide, en remontrerait à des Big Big Train. Néanmoins, Mistercake fait bien les choses: sa musique est très écoutable et même plaisante, pour qui peut écouter ce genre de choses sans s’endormir ou avoir envie de tuer quelqu’un (ce qui est mon cas, comme le prouve le fait que j’écris ces lignes au lieu de ronfler sur le clavier ou de passer mes nerfs sur le voisinage).

À vrai dire, je regrette un peu qu’il n’y ait que ça à se mettre sous le tympan: le groupe écume la région niçoise depuis maintenant pas loin d’une décennie, un seul morceau, fût-il kilométrique, c’est un peu pauvre. Souhaitons donc que Drain Twisted Cells arrive en temps et heure et, avec lui, bientôt d’autres morceaux.

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